Als Theaterliebhaber, der unzählige Stunden in der Welt des Theaters verbracht hat, muss ich sagen, dass ich von den Aufführungen im The Yard Theatre in Hackney völlig fasziniert war. Insbesondere „Der Floh“ hat mich mit seiner faszinierenden Mischung aus historischem Klatsch und zeitgenössischer Relevanz in seinen Bann gezogen.
Othello (Royal Shakespeare Theatre, Stratford-upon-Avon)
Urteil: Moor ist weniger
Man muss nicht wach sein, um Shakespeares Othello beim Anschauen unangenehm zu finden. Schließlich ist dies ein Stück, das seinen Höhepunkt in etwas findet, das man nur als Ehrenmord bezeichnen kann – wenn der Titelheld seine verehrende junge Braut Desdemona ermordet.
Trotz der Tatsache, dass Othello möglicherweise dazu getäuscht wurde, eifersüchtig zu sein, bleibt es schwierig, seine Behauptung zu bestätigen, dass seine Taten edel seien.
Interessanterweise scheint Tim Carrolls neueste Produktion für die Royal Shakespeare Company in Stratford darauf bedacht zu sein, diesen beunruhigenden Aspekt zu minimieren.
In dieser Neuinterpretation übernimmt John Douglas Thompson die Rolle des geschätzten Generals, während Juliet Rylance Desdemona verkörpert und Will Keen den listigen Soldaten Jago darstellt, der Othello manipuliert. Carroll verwandelt das Stück in eine große, feierliche Prozession.
Die Brutalität wird auf Distanz gehalten, indem sie in einer sogenannten „Gedankenlandschaft“ präsentiert wird.
Aus dieser Szene geht klar hervor, dass wir in eine Art traumhafte Realität eintauchen. Die Atmosphäre ist aufgrund der gedämpften, melodiösen Gesänge, der sorgfältig gestalteten Kostüme, die an das Venedig des 16. Jahrhunderts erinnern, und des Fehlens jeglicher Möbel leicht ätherisch.
Und doch wird der bittere, frauenfeindliche Kern nicht verschwinden, egal wie geschmackvoll und elegant Judith Bowdens Design das Stück aussehen lässt und wie sehr Carrolls Inszenierung auch seine nervöse, dunkle Innerlichkeit betont.
In dieser Interpretation verleiht Thompson dem Moor von Venedig, einer Figur, die er 2009 am Broadway und erneut an der Seite von Rylance als Desdemona verkörperte, eine beeindruckende Würde. Dieser Othello wird als 60-jähriger Soldat dargestellt, der einen John Wayne-ähnlichen Schritt hat, was darauf hindeutet, dass die Erinnerung an sein kampferprobtes Ross noch immer in ihm nachhallt.
Anstatt durch laute Ausbrüche offen beängstigend zu sein, ist seine Wut ruhig und verhalten. Es scheint, dass Neid ihm die Lebenskraft geraubt hat, anstatt ihn in den Wahnsinn zu treiben. In diesem großen Auditorium mit Platz für tausend Personen benötigt er einen helleren Scheinwerfer.
Bei der Besetzung von Rylance reiht sich die 45-jährige Desdemona in Carrolls unkonventionelle Wahl reifer Charaktere ein. Trotz ihrer strahlenden Erscheinung weicht sie deutlich von der typischen Darstellung einer naiven jungen Frau mit großen Augen ab, die ungläubig ist, welche Absichten manche Männer Frauen gegenüber haben.
Die mysteriöseste und rätselhafteste Wendung ist jedoch die des 54-jährigen Charakters, ähnlich wie Othellos schlauer und scheinbar loyaler Leutnant Jago. Er manipuliert seinen Vorgesetzten in zerstörerische Wut, offenbar aus keinem anderen Grund als aus Unfug.
Es ist ungewiss, wie tief Keens Darstellung von Jago wirklich in seiner Schurkerei schwelgt. Manchmal scheint es, als würde er sich auf Selbstgespräche einlassen, und seine schändlichen Pläne geraten fast ins Stocken. Sein Auftritt zeichnet sich wie die gesamte Inszenierung durch ein zurückhaltendes, introspektives und nachdenkliches Auftreten aus.
Darüber hinaus ist seine Rede, wie auch der Rest des Stücks, klar, bewusst und logisch. Diese Klarheit dient jedoch dazu, den Wirbelsturm aus Leidenschaft, Wut und schrecklicher häuslicher Gewalt zu verbergen, der diese Produktion sowohl prägt als auch schädigt.
A Raisin In The Sun (Lyric Theatre, Hammersmith und Tournee)
Urteil: Bittersüße Rosine
Wer wäre nicht berührt von Lorraine Hansberrys leidenschaftlichem Plädoyer für Gleichberechtigung im Chicago der 1940er Jahre, wie es in „A Raisin In The Sun“ dargestellt wird? Dieses Stück, das sie halbautobiografisch schrieb, war bahnbrechend, da es sie zur ersten schwarzen Frau machte, die ein Stück am Broadway aufführte. Es erzählt die Geschichte der Herausforderungen ihrer Familie, als sie beim Umzug in ein vorwiegend weißes Viertel mit Rassismus konfrontiert wurde.
In einer fiktiven Umgebung fungiert Lena (gespielt von Doreene Blackstock) als starke Matriarchin ihrer Familie, die vor den brutalen Folgen des Lebens nach der Sklaverei in den südlichen Regionen geflohen ist.
Nach dem Tod ihres Mannes, der als Arbeiter tätig war, erhalten sie nun 10.000 US-Dollar – ein Betrag, der allen Beteiligten lebensverändernde Möglichkeiten bietet.
Der frustrierte Chauffeurssohn Walter (Solomon Israel) möchte einen Spirituosenladen eröffnen. Seine Frau Ruth (Cash Holland) sieht das Geld als ihre Chance, ihrem von Kakerlaken verseuchten Zuhause zu entkommen. Und Walters aktivistische Schwester Beneatha (Joséphine-Fransilja Brookman) möchte am College Medizin studieren.
Als treuer Bewunderer kann ich zum Ausdruck bringen, dass Tinuke Craigs meisterhaftes Werk unsere tiefsten Wünsche gekonnt zum Ausdruck bringt und den Kern des Stücks berührt, indem es ein Szenario schildert, in dem ein Neuankömmling aus der Nachbarschaft, ein weißer Mann, versucht, uns daran zu hindern, uns einzuleben.
Meiner beruflichen Meinung nach könnte Craig von einer strukturierteren Herangehensweise bei der Weitergabe von Haushaltstipps profitieren, und ich bin der festen Überzeugung, dass sie Beneathas lebendigem Geist mehr Gewicht hätte beimessen sollen, anstatt sie als sorglose Amateurin darzustellen.
Als treuer Bewunderer fand ich heraus, dass die genialen Bühnenbilder von Cécile Trémolières unser Zuhause aus zarter, durchscheinender Gaze konstruierten. Dies rief nicht nur eine eindringliche Atmosphäre hervor, die an vergangene Zeiten erinnerte, sondern deutete auch auf subtile Weise auf die Möglichkeit einer Metamorphose hin.
Alles an dieser Situation weckt tiefe Emotionen und lässt das Herz vor Mitgefühl aufgehen, während sie sich bemühen, ihre politischen, wirtschaftlichen und grundlegenden Menschenrechte als Familie zu verteidigen.
„Othello“ wird bis zum 23. November aufgeführt, während „A Raisin in the Sun“ bis zum 2. November im Lyric Theatre zu sehen ist. Danach wird es vom 5. bis 16. November ins Nottingham Playhouse verlegt.
Worüber wir sprechen, wenn wir über Anne Frank sprechen (Marylebone Theatre, London)
Urteil: Das Renndrama kommt zum Vorschein
Dies ist nicht die Geschichte von Anne Frank, die 1942 in Amsterdam versteckt, im Holocaust ermordet und in ihrem Teenagertagebuch verewigt wurde.
Dieses lebhafte, geschwätzige und intellektuell anregende Stück wird von ihr bewohnt, zeigt jedoch zwei Gruppen jüdischer Paare, die trotz des gleichen kulturellen Hintergrunds in jeder Hinsicht Welten voneinander entfernt sind.
In Florida leben Phil und Debbie, die wohlhabend und nicht religiös sind, während Yerucham und Shoshana (früher bekannt als sie), jetzt Ultraorthodoxe, in Jerusalem wohnen. Sie besuchen derzeit Yeruchams Vater, einen Überlebenden des Holocaust. Die beiden Frauen waren Studienkolleginnen, aber Phil hat Angst vor der Traditionalistin Yerucham.
Eine Reihe von Momenten – manche unangenehm, andere herzerwärmend, zum Lachen komisch, verblüffend oder wütend – enthüllen gegensätzliche Perspektiven auf Themen wie Familie, Ehe, Ethik, Glaube, Politik und den Hintergrund eines Jahrtausends im Nahen Osten.
Joshua Malinas Charakter Phil ist frustriert über die Regelung, die ihm die körperliche Interaktion mit Shoshana (Dorothea Myer-Bennett) verbietet, und fühlt sich heimlich zu ihrer großen Perücke hingezogen, die sie aus religiösen Gründen trägt. Debbie (Caroline Catz) mag Phils aggressive weltliche Ansichten nicht und ist beunruhigt darüber, dass Yerucham (Simon Yadoo) Witze über den Holocaust macht, da er glaubt, dass ein göttliches Eingreifen letztendlich alles lösen wird.
Eine tiefe, fassungslose Wut entsteht, als klar wird, dass das amerikanische Paar glaubt, das israelische Paar sei kein echter Jude.
Debbies und Phils Sohn Trevor, der Gabriel Howell heißt, nimmt es mit jedem auf eine Weise auf, die eine skeptische Teenager-Haltung vermuten lässt. Er leitet jede Szene mit einem Augenrollen ein und kritisiert ihren bequemen Materialismus am Ende der ersten Hälfte scharf. Darüber hinaus bezeichnet er die zehntausend Jahre religiöser Traditionen und Rituale der Israelis als Verschwendung.
Patrick Marber arbeitete mit dem Autor Nathan Englander zusammen, um das Originalwerk zu überarbeiten und es zu modernisieren, um heftige Debatten über den zeitgenössischen Konflikt einzubeziehen.
Anfangs hatte ich Bedenken, dass die Geschichte an Schwung verlieren könnte, wenn die Charaktere zur Beruhigung Cannabis konsumieren, aber überraschenderweise gewinnt sie wieder an Intensität und präsentiert eine einzigartige Wendung namens „Anne Frank Game“: eine zum Nachdenken anregende Untersuchung darüber, wer von uns das tun würde oder würde anderen in Gefahr nicht helfen.
Als eingefleischter Fan kann ich nicht anders, als über dieses brutale Spiel zu staunen, das uns nicht-einheimischen Entwicklern fast fremd vorkommt. Dennoch schafft es es, so ursprüngliche und universelle Emotionen anzusprechen, dass es unabhängig von der Epoche, der Rasse oder dem Glaubenssystem bei jedem, der ihm begegnet, tiefe Resonanz findet.
Der Floh (The Yard Theatre, Hackney Wick)
Urteil: Heißer historischer Klatsch
The Yard in Hackney ist ein Mikrotheater, das seit 2011 Höchstleistungen erbringt.
„The Flea“ ist die Rückkehr eines faszinierenden historischen Klatsches über ein Homosexuellenbordell oder „Molly House“ im viktorianischen London, das den echten Skandal in der Cleveland Street von 1889 auslöste.
Es wurde berichtet, dass einige bemerkenswerte Personen unter den Teilnehmern Prinz Albert Victor waren, der später König Edward VII. werden sollte, da er zu dieser Zeit den Titel des ältesten Sohnes des Prinzen von Wales innehatte.
Als treuer Bewunderer fühlte ich mich von der fesselnden Geschichte angezogen, die der Autor James Fritz mit Leidenschaft aufgegriffen und eine Erzählung gewebt hat, die an Dickens‘ Stil erinnert. In diesem semi-Dickens’schen Garn vertiefe ich mich in das Leben eines jungen Mannes namens Charlie, der sich aufgrund der finanziellen Nöte seiner Familie auf der Suche nach Arbeit in die Cleveland Street begibt. Seine Hauptmotivation besteht darin, seine trauernde Mutter zu unterstützen und ihre gemeinsame Last der Armut zu lindern.
Schon bald wird gegen ihn von Inspektor Frederick Abberline ermittelt – ein Mann aus dem wirklichen Leben, der nachweisen kann, dass es ihm nicht gelungen ist, Jack the Ripper zu verhaften. Seine Ermittlungen führen ihn an die Spitze der viktorianischen Gesellschaft – nur um dort auf eine institutionelle Vertuschung zu stoßen.
Dank Naomi Kuyck-Cohens Puppenhaus-Set ähnelt die Inszenierung von Regisseur Jay Miller dem übertriebenen Gemäldestil des deutschen Expressionisten George Grosz.
Neu gestaltete und renovierte Möbel präsentieren Gegenstände wie einen treppenförmigen Aktenschrank, prekäre Hocker hoch auf schlanken Beinen und lebendige Wände, die mit weichen lila Teppichen geschmückt sind.
Bewusst werden Outfits im Vintage-Stil neu interpretiert, um sie an „queere Modesensibilitäten“ anzupassen, wie zum Beispiel das Hinzufügen von Rüschenärmeln an Polizeiuniformen, und zwar auf eine Art und Weise, die den Eindruck erweckt, dass sie angeeignet und für das zeitgenössische Publikum relevant gemacht werden, wodurch die Geschichte effektiv zurückerobert und auf sie anwendbar gemacht wird unsere aktuelle Zeit.
Trotz einiger Ecken und Kanten in der Schauspielerei gibt es eine gewisse Unschuld, die den Reiz noch verstärkt, wie zum Beispiel Tomas Azocar-Nevins Darstellung eines jugendlichen Charlie, der an Rowan Atkinson erinnert.
Der fesselndste Moment entsteht jedoch im letzten Teil, als Königin Victoria (Breffni Holahan) ein außergewöhnliches Gespräch mit Gott (Will Bliss) führt. Er versichert ihr, dass sie, wenn sie die richtigen Entscheidungen trifft, von einigen der besten Schauspieler des Landes geehrt wird, die sie im Fernsehen in „The Crown“ darstellen.
Das Ergebnis ist heitere historische Travestie und guter Theaterspaß.
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2024-10-25 02:35