Inside No.9: Eine grausige Comedy-Feier, die Sie nicht verpassen dürfen!

Inside Nr. 9: Bühnen-/Horrorszene (Wyndham’s Theatre, London)

Fazit: Eine Party für sich

Reece Shearsmith und Steve Pemberton, Fernsehkomiker in ihren Fünfzigern, feiern ihr dreißigjähriges Arbeitsjubiläum, einen bemerkenswerten Meilenstein, den sie im Laufe von drei Jahrzehnten gemeinsam erreicht haben.

Ich kann meine Aufregung kaum zurückhalten, als ich mich wieder einmal vor der Bühne wiederfinde, auf der für The League of Gentlemen alles begann, mit keinem anderen als Mark Gatiss in der Hauptrolle! Es scheint, als würden sie eine große Feier ihrer Erfolge veranstalten – eine selbsternannte „Ich-Party“, wenn man so will. Erinnert mich ein bisschen an Amy Adams und Miss Piggy in den Muppets, die gemeinsam im Rampenlicht stehen. Einfach aufregend, das mitzuerleben!

Anstatt essen zu gehen, haben sie sich dafür entschieden, den Stil ihrer BBC-Anthologieserie Inside No. 9 anzupassen und eine Reihe zusammenhängender Geschichten zu präsentieren. Diese Geschichten werden Elemente aus Horror, Humor und geisterhaften Begegnungen vermischen.

Die Aufführung findet sowohl im Wyndham’s Theatre als auch in dessen Nähe statt und beginnt mit einem herausragenden Sketch, der auf humorvolle Weise Theaterbesucher zeigt, die verschiedenen Lastern nachgehen, wie Naschen, Reden, Handys benutzen und sogar Videoanrufe mit Laptops tätigen. Meiner Erfahrung nach bin ich all diesen Szenarien begegnet.

Danach verwandelt sich die Geschichte in den Bericht über das düstere Comeback des schlüpfrigen, verblassten Komikerduos Len und Tommy, das in den 1970er Jahren oft als Cheese and Crackers bezeichnet wurde.

Oder

Von da an tauchen wir in die Geschichte von Len und Tommy (alias Cheese and Crackers) ein, zwei Komikern aus den 1970er Jahren mit einem schlüpfrigen Ruf, die ein weniger erfolgreiches Comeback versuchen.

Die Situation ändert sich jedoch noch einmal, als sie einen jungen Star, Alexander Armstrong aus Pointless, gefangen nehmen, was bereits Anfang der Woche passiert ist, und nach der Pause beruhigt sich die Situation.

Hammer-Horror-Parodie, in der eine junge Frau in einer Irrenanstalt eine kleine Operation durchführen lassen möchte.

Das Programm erscheint oft wie eine Ansammlung lustiger Überbleibsel, Filmfehler und Zusatzmaterial der Komiker, mit dem sie sowohl die Komiker als auch ihr leidenschaftliches Publikum unterhalten.

Gemäß unserem Grundsatz für Nr. 9 sollten wir nicht nur auf Unvorhergesehenes gefasst sein, sondern auch auf die Dinge, die ziemlich vorhersehbar sind: Andeutungen und schwarzen Humor.

Darüber hinaus wechseln sie häufig die Masken und tragen verschiedene Kostüme und künstliche Gliedmaßen. In einer besonders blutigen Szene mit Shearsmith amputieren sie sogar selbst ein Glied.

Auf mich wirkten beide Männer schon immer so, als seien sie mit der Aura eines leicht schmierigen Onkels gesegnet.

Diese Saison zeigt eine gesteigerte Bühnenpräsenz, die uns stark beeindruckt und oft Unbehagen verursacht. Ihre Chemie deutet jedoch auf einen wachsenden Ehrgeiz in Richtung des ikonischen Duo-Formats hin, das subtil an Morecambe (Pemberton) und Wise (Shearsmith) erinnert.

Trotz ihrer Tendenz, uns Streiche zu spielen, indem sie unsere Erwartungen täuschen und die Situation unerwartet ändern, kann es ziemlich ermüdend werden.

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Es ist ein bisschen ermüdend, wenn sie uns immer wieder täuschen, indem sie die Wahrheit verdrehen und Situationen ohne Vorwarnung ändern.

ODER

Ihre Angewohnheit, uns zu täuschen und das Spiel ständig zu ändern, erschöpft mich mit der Zeit.

ODER

Ich finde es ermüdend, wenn sie uns nicht nur anlügen, sondern auch Dinge auf eine Weise ändern, die wir nicht erwartet haben.

Eine Auswahl: „Es kann ziemlich ermüdend werden, wenn sie uns immer wieder täuschen und das Spiel ständig ändern.

Ungeachtet dessen hat ihr Theateraufruhr einen lobenswerten chaotischen Aspekt, und Regisseur Simon Evans managt diese widerspenstige Lokomotive erfolgreich – insbesondere mit den komplexen Realitätsebenen, die in den Anstaltssequenzen dargestellt werden.

Oder einfach:

Trotz einiger desorganisierter Aspekte ist ihre Theaterrebellion lobenswert, und Regisseur Simon Evans behält gekonnt die Kontrolle – vor allem bei der Handhabung der komplexen Realitäten, die in den Anstaltsszenen dargestellt werden.

Es ist nicht nur eine Hommage an Pemberton und Shearsmith; es gibt auch herausragende Darbietungen. So spielt Anna Francolini eine geistreiche Krankenschwester in der Anstalt, während Miranda Hennessy einen ehemaligen Popstar porträtiert, der zur Schauspielerin wurde, was als Anspielung (oder vielleicht als Seitenhieb) auf Lily Allen gesehen werden könnte.

Enthusiasten werden die Sammlung egozentrischer Insiderwitze in dieser unerwarteten Hommage zu schätzen wissen, die allerdings verfrüht erscheint.

Auch wenn der Rest von uns es vielleicht unterhaltsam findet, ist es nicht ganz enttäuschend, dass die Show anscheinend fast komplett ausgebucht ist.

Oder einfach:

Dass die Show ausverkauft ist, kann uns nicht wirklich enttäuschen, auch wenn wir sie vielleicht genießen.

Bis 5. April.

 

Johnny Depp-Klassiker für Burton weg

Scissorhandz (Southwark Playhouse, London)

Urteil: Es fehlt an der Spitze

Scissorhandz ist eine amerikanische musikalische Hommage an Tim Burton, die er wahrscheinlich lieber vergessen würde.

Der Film ist ein Remake von Edward mit den Scherenhänden (1990) mit Johnny Depp in der Hauptrolle. Regie führte Tim Burton. In einer überraschenden Wendung haben sie dem Titel ein „z“ hinzugefügt und Burtons Geschichte über einen ungewöhnlichen Außenseiter mit Scherenhänden in eine freudige, alltägliche Befürwortung unterschiedlicher sexueller Identitäten verwandelt.

Ganz im Stil von Mary Shelleys Frankenstein versucht unsere geschlechtsneutrale Protagonistin, ihre Bestimmung direkt von ihrer Schöpfermutter zu erfahren.

Sie stellt klar: „Du kommst nicht von Gott, sondern von der Liebe“, doch ihre Worte können die Verwirrung in ihrer Schöpfung hinsichtlich der Tendenz der Menschheit zum Tribalismus nicht lindern.

Doch obwohl die Show ernst gemeint ist, handelt es sich vor allem um eine lautstarke Feier sektiererischer Interessen.

Die Musik ist eine Mischung aus neu aufbereiteten Pop- und Rocksongs, die von Chaka Khans „I’m Every Woman“ bis zu „Best Day Of My Life“ von American Authors reichen und in einer beinahe unheimlichen Adaption von „Creep“ von Radiohead gipfeln.

ODER

Die Songs sind eine Mischung aus neu aufgelegten Pop- und Rockhits, darunter Titel wie „I’m Every Woman“ von Chaka Khan und „Best Day Of My Life“ von American Authors, wobei das große Finale eine unvergesslich schöne Interpretation von „Creep“ von Radiohead ist.

Auch wenn ihr Gesang etwas uneinheitlich ist, glänzt Emma Williams besonders in ihrer Rolle als Scissorhandz‘ Adoptivmutter Peg, die zufällig auch eine Avon-Beraterin ist, und stellt ihre Jodelfähigkeiten mit großer Energie zur Schau.

Ansonsten wird eine kitschige, fröhlich-klatschige Stimmung mit wechselnden Gesangsstandards vermittelt.

Gleichzeitig schränkt der begrenzte Platz auf der Bühne und die enge Umzingelung Bradley Bredewegs Träume ein, ein Rock-Musical zu schaffen.

Auf engstem Raum vor einem Turm aus Verstärkern besteht ständig die Gefahr, dass der Tanz zu einem Menschenstau wird.

In einer Wiederholung seines Auftritts bei der ersten Show in Las Vegas stellt Jordan Kai Burnett Scissorhandz mit bemerkenswertem Geschick dar, indem er Büsche stutzt und sowohl die oberen als auch die unteren Haarregionen der Frauen stylt.

Stattdessen scheint Burnett ziellos zu sein und wandert mit blasser Schminke und Gothic-Kleidung über die Bühne, wenn kein klares Ziel oder keine klare Richtung vorgegeben ist.

Wenn es kein definiertes Ziel gibt, scheint Burnett mit geisterhafter Blässe und Gothic-Kleidung ziellos über die Bühne zu wandern.

Trotz der Anpassungen, die Themen der sozialen Gerechtigkeit widerspiegeln sollen, bleibt das Ergebnis eine Transformation der Erzählung in das, was sie im Wesentlichen verkörpert – eine klassische Hollywood-Geschichte über den Sieg eines Außenseiters.

Bis 29. März.

 

Ein aufgepeppter Shakespeare im heißen Harlem der 1940er Jahre

Weiterspielen! (Bristol Old Vic, dann Lyric Hammersmith)

Fazit: Der Barde singt den Blues

West Side Story interpretiert Shakespeares Romeo und Julia neu, mit einer modernen Note von Bernstein und Sondheim, während Kiss Me, Kate das frostige, boshafte Stück Der Widerspenstigen Zähmung des Barden in eine lebhafte Produktion von Cole Porter verwandelt.

West Side Story ist eine frische Interpretation von Romeo und Julia, geschaffen von Bernstein und Sondheim, während Kiss Me, Kate Der Widerspenstigen Zähmung dank Cole Porters Arbeit von kalt und hasserfüllt in energisch verwandelt.

bedauerlicherweise kann die Interpretation von „Was ihr wollt“, die auf die Melodie von Duke Ellington gesetzt wurde, bei „Keep Going!“ den Originalrhythmus nicht ganz einfangen.

Der Titel des Stücks leitet sich von seiner ersten Zeile ab; vielleicht wäre Ellingtons „It’s Not the Way You Look (It’s Not What You Do)“ eine passendere Alternative.

Während in den fesselnden Bluesliedern des Duke das Motiv unerwiderter Zuneigung widerhallt, gelingt es Cheryl L. Wests Werk mit seinen unterentwickelten Persönlichkeiten und der minimalen romantischen Spannung nicht, viel von der ergreifenden Bittersüße zu vermitteln, die dieser komplexen Geschichte einer gescheiterten Liebe innewohnt.

Kein Problem. Michael Buffongs Jukebox-Musikpräsentation ist ein überzeugender Beweis dafür, dass Musik tatsächlich die Liebe nährt, wie der unausgesprochene Teil der bekannten Eröffnungszeile andeutet: „Musik ist die Nahrung der Liebe.“

In den 1940er Jahren zog die Geschichte nach Harlem, dargestellt durch eine von Ultz entworfene, neblige Barkulisse und abgenutzte Kostüme. Die Erzählung spielt oft auf humorvolle Weise mit Shakespeares Themen Verkleidung und Selbstidentität.

Dieser Duke ist kein Aristokrat mit Titel, sondern der berühmteste Bandleader in Harlem. Nach einem Streit mit Liv, der sinnlichen Nachtclub-Diva, hat er leider sowohl seine kreative Inspiration (Muse) als auch sein Charisma (Mojo) verloren.

Auftritt der aufstrebenden Komponistin Viola, die entdeckt, dass das Schreiben von Liedern nur etwas für Männer ist.

In der Rolle des gut gekleideten, elegant gekleideten Vyman überzeugt er den untröstlichen Herzog Earl Gregory (der mit einer unglücklichen Liebessituation kämpft), dass er mit seinen hinreißenden Melodien Livs Zuneigung erneut gewinnen kann.

Danach dominiert die Melodie. Koko Alexander liefert mit ihrer brillanten Interpretation von Liv eine elektrisierende Interpretation von Mood Indigo.

In einer lebhaften Neuinterpretation porträtiert Cameron Bernard Jones den steifen Charakter von Malvolio, der dazu verleitet wird, seine Kleidung zu verbessern und mit weniger Pomp in einem leuchtend gelben Zoot Suit herumläuft.

Vor allem aber liefern Lifford Shillingford und Llewellyn Jamal in „Rocks In My Bed“ eine explosive Darbietung ab, die in einem frischen, bezaubernden Abschluss der Geschichte gipfelt.

Ellington, kein Shakespeare, aber unwiderstehlich unterhaltsam.

Bis 22. Februar.

 

Toilettenhumor durch eine klassische Comicformel gerettet

Das Geschenk (Park Theatre, London)

Urteil: Töpfchenmänner

Wie würden Sie reagieren, wenn Sie ein Paket mit Fäkalien vorfinden würden? Dies ist das eher unangenehme Szenario in Dave Florez‘ Comedyserie über einen neurotischen Junggesellen mittleren Alters namens Colin.

Der fragliche Hocker wurde in einer hochwertigen Gebäckschachtel zu seinem Haus im Norden Londons geliefert. Er, seine Schwester Lisa und ihr Partner Brian machen sich Sorgen, als sie ihn näher untersuchen.

Als aufmerksamer Verfolger konnte ich kaum akzeptieren, dass der fragwürdige Artikel nicht einfach irgendwo, sondern angeblich unter dem Schutz einer Frischhaltefolie offen auf der Küchentheke lag.

Aber wir müssen akzeptieren, dass das Trio versucht, Motive und Schuld zuzuweisen.

Als treuer Bewunderer muss ich zugeben, dass dieser Aufbau zwar als Plattform für kindische Witze und den übermäßigen Gebrauch von Kraftausdrücken dient, aber auf subtile Weise die philosophischen Ideen von Friedrich Nietzsche einbezieht, um Tiefe und Komplexität hinzuzufügen.

Sie fragen sich vielleicht, was das Ganze so interessant macht? Nach einer Reihe geschmackloser Witze im ersten Teil gelingt es Florez unter der Regie von Adam Meggido, einen leicht chaotischen Humor zu erzeugen. Die Inszenierung spielt in einer IKEA-Vorführküche, während der zweite Teil klarer strukturiert ist.

Im Kern folgt der Film einer bewährten, wenn auch nicht klischeehaften komödiantischen Struktur, in der tollpatschige Männer um die Gunst einer attraktiven jungen weiblichen Figur buhlen – ganz gleich, ob es sich bei ihr um die Schwester eines der beiden handelt oder nicht.

Alex Price verkörpert einen etwas stereotypen, wenn auch nicht übermäßig krassen Charakter aus Essex. Seine Angewohnheit, sich Getränke aus dem Kühlschrank zu holen, ohne anderen ein Angebot zu machen, ist ein Verhalten, das auch unter seinen Altersgenossen weit verbreitet zu sein scheint.

Laura Haddock bringt mit ihren weit auseinander stehenden Augen eine Reihe von Emotionen zum Ausdruck: Sie spendet Trost, Verachtung und seufzt voller Enttäuschung, während sie in der Mitte die Figur der Vorzeigefrau darstellt.

Und Nicholas Burns bringt die Leere, die man oft im heutigen Mann findet, in Colins Sammlung neurotischer Illusionen auf den Punkt, wie etwa in der Vorstellung, er sei ein gewiefter, harter Kerl mit Straßencharakter.

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2025-01-31 04:11